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Las mejores películas de 2016, según el crítico de IndieWire Eric Kohn

En el sentido de las agujas del reloj desde la izquierda: 'Paterson', 'The Academy of Muses', 'Moonlight', 'Swiss Army Man'

Cada diciembre vale la pena repetirlo: cualquiera que piense que este fue un mal año para las películas simplemente no ha visto lo suficiente. En la era de los atracones, una preponderancia de espectáculos de cable premium imperdibles e, incluso, aplicaciones de teléfonos inteligentes que atraen mucha más atención a la mayoría de los logros de largometraje, la verdadera gama de cine de calidad a menudo se ve oscurecida por el ruido de un -Paisaje desordenado de los medios. Para evaluar realmente el estado de las películas modernas, hay que mirar más allá de lo obvio. Claro, fue un año débil para las películas que se destacan principalmente por el poder de las estrellas y los presupuestos de marketing considerables, pero esas opciones representan solo una pequeña fracción del mercado.

El circuito de festivales de cine ofrece una alternativa ideal a los canales convencionales para descubrir películas de las que vale la pena hablar durante todo el año, y, si tienen la suerte de distribuirlas, califican para la celebración de fin de año en listas como esta. Este año, todos los finalistas de mi lista de los mejores del año aparecieron en un festival importante y, en la mayoría de los casos, llegaron a los cines más tarde. Ninguno de ellos eran apuestas comerciales seguras; de hecho, sus cifras acumuladas de taquilla pueden pintar una imagen triste de la viabilidad comercial de esta forma de arte, pero esa imagen es solo una pequeña pieza de un rompecabezas mucho más grande. Las películas que desafían las convenciones, desechan a las personas y las dejan inseguras sobre lo que acaban de experimentar, a menudo son las que más merecen una celebración.

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Mi lista muestra muchas películas que lucharon por salir, que no funcionan para todos, que provocan fuertes debates, y, sin embargo, me siento completamente cómodo al considerarlas como las mejores del año. El consenso es aburrido. Si algo aquí provoca desacuerdo, solo fortalece la vitalidad de estas grandes obras.

Si hay un tema que los atraviesa, es la ansiedad de los tiempos modernos. Nuestra sociedad está cada vez más sacudida por acontecimientos inesperados, como lo demuestran Donald Trump, Brexit y los Cachorros de Chicago por igual, y muchas de las mejores películas de este año hablan de ese sentimiento inquietante de un mundo misterioso y las sorpresas que nos ofrece. Estas historias involucran personajes a la deriva en entornos incómodos donde los límites entre la realidad y la ficción se disuelven, lo que lleva a búsquedas inciertas de una verdad evasiva. No todos lo encuentran.

Subcampeones de la lista de fin de año 2016 'The Eyes of My Mother', 'Nuts!', 'Manchester By the Sea' y 'The Lobster'

La siguiente lista está clasificada. Se requieren algunas advertencias para reconocer algunos subcampeones. En primer lugar, mi enfoque curatorial tiene en cuenta factores como el equilibrio y el alcance. Hay muchos esfuerzos de primer nivel que se ubicarían en un lugar destacado en mi lista si no hubiera otros títulos similares que aprecie un poco más (por lo tanto, 'The Witch' obtiene el espacio de terror sobre 'The Eyes of My Mother', y 'Swiss Army Man' supera a 'The Lobster' en el peculiar y alegórico departamento de diversión).

Si bien he ampliado la lista más allá de los 10 principales habituales para abarcar 16 títulos, hay muchos otros que no lograron el corte. Estos incluyen la deliciosa parodia de los hermanos Coen de la fábrica de sueños de Hollywood '¡Salve, César!' Y el semi-documental inventivo de Penny Lane sobre un infame vendedor de aceite de serpiente en 'Nuts!', Que hablan de ideas reflejadas en esta lista. 'Manchester By the Sea' es una mirada escrita por expertos para vivir con pena, y 'The Lobster' (que apareció en una versión de esta lista a principios de año) sobresale en explorar la catarsis de escapar de una sociedad opresiva. Véalos a todos.

Sobre todo, esta lista refleja un año tremendamente complejo de experiencias culturales, cuando la sociedad se puso patas arriba y las películas lo anticiparon. Son un espejo del mundo en que vivimos ahora.

Las listas son inherentemente limitantes, por lo que puede esperar ver muchas de estas partes a medida que difundimos el amor. Otras voces del equipo de IndieWire influirán durante toda la semana, y este artículo se actualizará con enlaces. Por ahora, aquí está la evaluación final de este crítico sobre las mejores películas lanzadas en 2016. Los argumentos son bienvenidos, pero se alienta a los lectores que se pronuncien rápidamente a buscar primero estos títulos.

16. 'Ciertas mujeres'

'Ciertas mujeres'

IFC Films

Kelly Reichardt continúa mostrando su dominio del aislamiento estadounidense con esta adaptación de las historias cortas de Maile Meloy. Cada uno de los tres capítulos de la película habla de una sensación de dislocación entre las figuras de la clase trabajadora en Montana. En un año en que las frustraciones de la clase trabajadora alcanzaron un punto álgido, no podría ser más actual. El enfoque antológico de Reichardt está plagado de confrontaciones ambiguas: con la difícil situación de un abogado aburrido (Kristen Stewart) que imparte clases de educación para adultos y la solitaria mano de rancho (Lily Gladstone) que se enamora de ella, Reichardt construye su mejor juego de dos manos desde 'Old Joy, 'Mientras que el intento de una pareja casada (Michelle Williams y James Le Gros) de adquirir arenisca antigua de un hombre mayor aborda sutilmente los conflictos intergeneracionales.

Pero el verdadero poder de la película proviene de sus sujetalibros, en los que una asesora legal segura (Laura Dern en su mejor momento) trata con un hombre descontento que se vuelve postal después de que su compañía lo engaña para no conformarse con una lesión en el lugar de trabajo. La creciente ira de un hombre blanco mayor y enojado, y las luchas del personaje de Dern para consolarlo, le dan a 'Ciertas mujeres' un sorprendente grado de comprensión de la división de la sociedad estadounidense.

15. 'La bruja'

Anya Taylor-Joy en 'La bruja'

Anunciado como “; New England Folktale, ”; escritor y director Robert Eggers y rsquo; el debut de largometraje logra un equilibrio complicado: por un lado, una elegante pieza de época sobre la disolución de una familia de Nueva Inglaterra alrededor de 1630, también es una película de terror genuinamente inquietante sobre la posesión. Casi exclusivamente ambientada en una cabaña monótona y en los ominosos bosques que la rodean, el enfoque minimalista de la película no carece de autenticidad, ya que Eggers se basa en los registros judiciales y otros documentos para escribir el diálogo junto con los trajes del período en cuestión. El efecto es una narrativa inquietante de fuerzas de otro mundo que dan miedo especialmente debido al realismo que los rodea.

Junto con el sorprendente debut de Nicolas Pesce 'Los ojos de mi madre', es exactamente lo que el género de terror necesita en este momento: una sacudida de sangre fresca y narración original que revienta el género.

14. 'Toni Erdmann'

'Toni Erdmann'

Sobre el papel, la escritora y directora Maren Ade ’; s “; Toni Erdmann ”; tiene una premisa simple: después de la muerte de su perro, Winfried (Peter Simonischek), un solo padre soltero, aparece en la gran ciudad para intentar recuperar el afecto de su hija adulta, Ines (una asombrosa Sandra Hüller), con disfraces para que él puede seguirla por la ciudad sin que sus amigos y compañeros de trabajo lo descubran.

Sin embargo, prolongado a dos horas y 42 minutos, el tan esperado seguimiento del cineasta alemán a 2009 ’; s “; Everyone Else ”; se convierte en algo mucho más sutil y perceptivo de lo que su configuración rudimentaria sugeriría. El épico juego de dos épicas de Ade sobre la dinámica familiar tiene su recompensa en su ambición. Tanto un relato conmovedor del distanciamiento entre padre e hija como una sátira corporativa astuta, 'Toni Erdmann' lucha con grandes problemas a través de una lente sorprendentemente íntima, en un equilibrio incómodo que refleja la vida inestable de sus personajes.

Al principio, no estaba completamente convencido de que justificara el peso, pero 'Toni Erdmann' se ha quedado conmigo en los meses transcurridos desde que lo vi por primera vez en Cannes, su narración en capas revela gradualmente sus golpes maestros en retrospectiva. Esa es la marca de un verdadero logro cinematográfico.

13. 'Tío Kent 2'

'Tío Kent 2'

Factory 25

'Genial, el cine está muerto', se lee en el lema del 'Tío Kent 2', citando una reacción en Twitter a la existencia de la película. Pero el brillante golpe del meta-jugueteo de Todd Rohal en la mente de la estrella del 'Tío Kent' y el animador de 'Adventure Time' Kent Osborne es que los extraños giros de la película resultan en la secuela más inspirada cinematográficamente en años.

En el mugriento capítulo de apertura dirigido por Joe Swanberg, Osborne intenta presentar una secuela del retrato poco visto de Swanberg del tonto soltero de cuarenta y tantos; Cuando Swanberg le dice a Osborne que haga la secuela él mismo, la odisea loca que se produce se convierte en eso. Rohal, él mismo un cineasta surrealista poco apreciado ('El apretón de manos guatemalteco') ofrece una parodia brillante de narcisistas tropos independientes estadounidenses que se vuelven más locos a medida que avanza. Si Charlie Kaufman pone el concepto detrás de 'mumblecore' en sus líneas de visión, el resultado podría verse más o menos así. Pero si el 'Tío Kent 2' es una alondra, es totalmente satisfactorio, ya que ofrece una acusación astuta de creatividad auto-engrandecedora al excavar en sus extremos y hacerlos pedazos.

12. 'Los ajustes'

'Los ajustes'

Osciloscopio

La primera película de Anna Rose Holmer es un retrato surrealista de una joven heroína poco probable. Toni, de once años, (la estrella de la realeza Royalty Hightower) aspira a ser bailarina mientras hace su entrenamiento de boxeo en su centro juvenil de Cincinnati. Como una enfermedad convulsiva comienza a afectar a varios de sus compañeros bailarines, y ldquo; The Fits ”; gradualmente se transforma en una mirada similar a 'Twin Peaks' a la alienación comunitaria, pero también es una representación inteligente de una comunidad insular vista a través del lente de la maravilla de la infancia.

Las asombrosas y sutiles actuaciones de Hightower se combinan perfectamente con el retrato rítmico de la película de los misterios y la alienación de la adolescencia. La capacidad de Holmer de permanecer dentro de la perspectiva del mundo de su joven protagonista imbuye a 'The Fits' con una simplicidad desarmadora que es casi conmovedora y conmovedora a medida que avanza hacia un final surrealista.

11. 'La Academia de las Musas'

'La Academia de las Musas'

Finalmente estrenado en algunos cines un año después de su estreno en el festival, el retrato del dramaturgo romántico del cineasta catalán José Luis Guerín a través de una lente académica es uno de los fanáticos más heterodoxos de la historia. Aunque no ha tenido una película estrenada en los Estados Unidos desde 2007 en 'In the City of Sylvia', Guerin ha continuado creando ingeniosos experimentos cinematográficos que combinan componentes documentales y ficticios con resultados arriesgados e impredecibles. 'La Academia de las Musas' es el modelo de este enfoque único; También es hilarante y conmovedor en partes iguales.

Al principio, Guerin se centra en las conferencias divisivas de un procesador de literatura en la Universidad de Barcelona que propone que las mujeres deben estar en línea con la definición clásica de 'musa' y usar sus poderes seductores para inspirar poesía. Si bien el discurso pesado es absorbente en sus propios términos, este punto de partida se convierte en el primer acto de un drama sensacional en el que la relación alumno-maestro evoluciona hacia un territorio éticamente dudoso: el profesor no solo duerme con sus alumnos sino que también intenta racionalizar la decisión cuando se enfrenta a su esposa sin sentido.

Sorprendente, profunda, divertida y triste, 'La Academia de las Musas' es una ilustración de primer nivel de pensamientos profundos traducidos en una narrativa emocionante. A pesar del concepto pesado, puede estar más cerca de llegar a un trabajo cruzado del siempre innovador Guerin.

10. “Neruda”

“Neruda”

The Orchard y los medios participantes

El retrato del director chileno Pablo Larraín del legendario poeta, senador y experto narrador de su país Pablo Neruda es una representación fascinante de la identidad nacional y la inteligencia literaria. Luis Gnecco ofrece un rendimiento vívido (y muy preciso) como la pieza central homónima de “; Neruda, ”; que sigue la figura seminal de sus días de fiesta bohemia a través de su escape de las autoridades chilenas enojado por sus inclinaciones comunistas.

Pero la verdadera estrella de “; Neruda ”; es un astuto investigador de la policía, Oscar Bustamante Peluchonneau (Gael García Bernal, un excelente papel cómico) encargado de seguir al poeta. Mientras continúa persiguiendo a Neruda, Peluchonneau se da cuenta de que está atrapado en el propio mito hecho por Neruda. “; no soy un personaje secundario, ”; él dice, pero finalmente su validación proviene de que Neruda reconoce que su historia juntos importa. Junto con 'Jackie' de Larraín, lanzado en los Estados Unidos apenas una semana antes de 'Neruda', la película confirma la capacidad de este ingenioso cineasta para interrogar la historia en términos sorprendentemente originales. Larraín saluda a uno de los más grandes narradores de cuentos de su país haciendo coincidir sus talentos.

9. 'Miel americana'

'Miel americana'

Incluso si Shia LaBeouf no describiera su atuendo de tirantes y pantalones como 'Donald Trump-ish', el expresionista viaje de Andrea Arnold resonaría con una visión de actualidad. Desde 'Red Road' hasta 'Fish Tank', Arnold ha presentado consistentemente retratos convincentes de mujeres jóvenes frustradas, pero su ambición alcanza su mayor apogeo con esta extensa representación de una adolescente fugitiva (Sasha Lane, uno de los mejores descubrimientos del año) que se une un grupo de jóvenes vendedores de revistas hedonistas encabezados por el astuto LaBeouf.

Algunos críticos han ridiculizado el ritmo sinuoso de la película y la banda sonora pop-heavy como más posturas que la delicadeza narrativa genuina, pero eso ignora el puro arte de su diseño. Arnold ofrece una mirada astuta de jóvenes alienados que saquean el medio oeste sin un objetivo preciso aparte de mantener a flote sus imprudentes estilos de vida. Es una declaración generacional enojada y una llamada desesperada de ayuda.

8. 'Hombre del ejército suizo'

'Hombre del ejército suizo'

A24

'Pensé que había sido rescatado', le canta Paul Dano al cadáver de Daniel Radcliffe, 'pero eres solo un tipo muerto y estoy solo'. Una película de amigos surrealista energizada por algunos usos innovadores de la flatulencia, 'Swiss Army Man 'Es la bella y extraña combinación de slapstick y musicalidad del dúo de videos musicales, rica en ideas: las trampas de la corrección política, los efectos aislantes de la baja autoestima, la naturaleza homoerótica de los lazos masculinos y mucho más.

Atrapado en una isla desierta cuando se encuentra con un cadáver que le da esperanza, el personaje de Dano descubre los usos originales del cuerpo a medida que lentamente cobra vida. Radcliffe ofrece una actuación atrevida que es a la vez inquietante y absurda, al igual que la mayoría de esta película totalmente atractiva que a veces parece que se materializó desde otra dimensión de la propia creación de Daniels. Esa tierra imaginaria es digna de más visitas, así que esperamos que sigan así.

7. 'Paterson'

'Paterson'

Los pequeños intercambios y las largas pausas son el sello distintivo de las películas de Jim Jarmusch, pero pocos tienen la profunda mezcla de calidez y melancolía que se encuentra en 'Paterson'. Llevado por un conductor apropiadamente discreto de Adam Driver y Jarmusch ’; s para capturar comentarios desprevenidos, 'Paterson' es su estudio de personaje más absorbente desde 'Broken Flowers', pero tiene una sofisticación silenciosa que lo eleva a otro nivel. La ligera historia de un conductor de autobús que brilla a la luz de la luna como poeta magnifica los ritmos diarios de su mundo contenido y los transforma en el arte que aspira a crear. Por momentos encantador, melancólico y sabio, 'Paterson' perfecciona el arquetipo de inconformista sin rumbo que deambula por la obra de Jarmusch al validar sus formas de búsqueda del alma.

6. 'Camarógrafo'

'Operador de cámara'

Kirsten Johnson abre 'Cameraperson' con una nota que describe el proyecto como 'mi memoria', pero es seguro decir que nunca ha habido una memoria como esta. Combinando imágenes de sus 25 años de experiencia como documentalista cinematográfica, 'Cameraperson' ofrece una visión general de las personas y los lugares que Johnson ha capturado en el transcurso de una carrera diversa. Más que eso, las dos docenas de proyectos exhibidos aquí junto con imágenes originales confrontan el proceso de creación. Esta es una guía tipo collage para una vida de mirar.

Los créditos de Johnson varían desde exposiciones arriesgadas como 'Pray the Devil Back to Hell' y 'Citizenfour' hasta tarifas más ligeras como el retrato de dibujos animados neoyorquino del año pasado 'Very Semi Serious', todo lo cual aparece en esta densa encuesta mundial. Pero el tema disparejo se congela alrededor de su presencia implícita en cada escena. El teórico del cine soviético Dziga Vertov seguramente aprobaría el enfoque de Johnson, un título alternativo podría ser 'Mujer con una cámara de cine', ya que convierte la idea de la cámara en un recipiente para estudiar el mundo. Aunque gran parte del material de 'Cameraperson' es antiguo, Johnson ha creado sin duda algo refrescante y nuevo.

5. 'Control creativo'

'Control creativo'

Con sus fotografías nítidas en blanco y negro y sus efectos elegantes, el fascinante thriller de ciencia ficción de Benjamin Dickinson y ldquo; Creative Control ”; ingeniosamente imagina una sociedad dominada por la tecnología que está a la vuelta de la esquina. Pero los detalles de la trama, en la que el desarrollador con sede en Brooklyn de nuevas gafas de realidad aumentada pierde contacto con el mundo que lo rodea, imbuye el objetivo de su crítica con una aguda ventaja contemporánea. No importa el genio de las nuevas tecnologías, argumenta la película, cada nueva herramienta elegante está sujeta a debilidades humanas. Es a la vez de otro mundo y familiar: una sátira futurista que pica con relevancia inmediata.

4. '¡Todos quieren algo!'

'¡Todo el mundo quiere algo!'

Las películas de Richard Linklater están llenas de observaciones enérgicas en pequeñas dosis. Densa divagación filosófica rodea la más débil de las tramas; Un aire casual se encuentra con el existencialismo. Mientras se discute durante siglos como una “; secuela espiritual ”; a su clásico de secundaria de los años setenta “; Dazed and Confused ”; - y ambientada solo unos años después - la comedia de béisbol de la universidad “; Everybody wants Some !! ”; contiene muchos de los mejores ingredientes encontrados a lo largo de la carrera de Linklater: una actitud despreocupada sobre la vida combinada con observaciones más furtivas sobre sus misterios más profundos.

Al igual que con su barrido y ldquo; Antes y rdquo; trilogía y el ambicioso ciclo de producción de 12 años de “; Boyhood, ”; La nueva película también juega hábilmente con el tiempo. Abarrotando tres días de travesuras duras en un poco menos de dos horas, y ldquo; ¡¡Todo el mundo quiere algo !! ”; se desarrolla en los últimos días del verano en una pequeña universidad de Texas, en la que las responsabilidades de la edad adulta acechan fuera del marco. Igualmente encantador y sabio, y ldquo; ¡Todos quieren algo! ”; personifica la capacidad única de Linklater de rsquo; para magnificar el comportamiento humano con ligereza. No hay nada llamativo en esta película, pero ese es el brillo de la misma. La vida te acecha, y también las películas de Richard Linklater.

3. 'Weiner'

Anthony Weiner y Huma Abedin en 'Weiner'

Sundance selecciona

Comenzó como una farsa trágica; A medida que avanzaba 2016, 'Weiner' se convirtió en un vistazo alarmante dentro del mundo del bufón que puede habernos costado nuestra democracia. Weiner, durante su desastrosa campaña para la alcaldía de Nueva York, se convirtió en una broma nacional por razones obvias. Pero el público no pudo ver el puro caos de la campaña de Weiner cuando el político se enfrentó a una de las mayores humillaciones públicas de la historia reciente. “; Weiner, ”; que ganó el gran premio del jurado en el Festival de Cine de Sundance de este año, retira ese velo para revelar una de las grandes farsas de la historia moderna de la campaña (al menos antes de la actual temporada presidencial).

Codirigida por el ex jefe de gabinete de Weiner Josh Kriegman con Elyse Steinberg, la película captura a Weiner y a su asediada esposa, la asesora de Hillary Clinton, Huma Abedin, a través de una serie de circunstancias que provocan estremecimientos a medida que los medios de comunicación aprovechan continuamente las dificultades de la familia. El divorcio de Weiner de Abedin durante el verano en medio de la campaña de Clinton solo intensificó las escenas de la película de la pareja; más tarde, cuando el director del FBI James Comey reveló que estaba investigando los intercambios de Weiner con un adolescente, la relevancia del documental se profundizó aún más.

Dejando a un lado todo eso, el intento de Weiner de presionar contra posibilidades imposibles resulta en una mirada espectacularmente entretenida a las fallas de las celebridades modernas y la arrogancia involucrada en perseguir el poder en el ámbito político. Por un lado, “; Weiner ”; es un verdadero cine de primera clase, que captura la constante humillación y la absurda inversión de su sujeto en su campaña contra probabilidades imposibles con detalles sorprendentes, incluso cuando el caos que rodea su caída también señala la obsesión de los medios por su escándalo. Al mismo tiempo, es una caricatura editorial bulliciosa sobre la locura inherente de un sistema diseñado para la autodestrucción. Y ahora, cuando Weiner se desvanece en el olvido, tenemos que vivir en su desorden.

2. 'Jackie'

'Jackie'

El retrato de Pablo Larraín del intento de Jackie Kennedy de luchar contra el control del caos luego del asesinato de su esposo es, a partes iguales, un thriller psicológico y una investigación histórica. Anclada por Natalie Portman en el mejor giro profesional, la construcción atmosférica de la película perfora la naturaleza de la vida pública y las maquinaciones políticas.

El guión de Noah Oppenheim enmarca los tensos días en que Jackie planea el entierro de su esposo y la cámara de Larraín se mantiene cerca de su sujeto, lo que obliga a los espectadores a flotar en su complicada mentalidad. No importa cuánto trate de proteger su dolor, el mundo pulula. “; No es historia si no está escrita, ”; ella le dice a un periodista que la incita a cada paso. Esa afirmación es el objetivo principal del cine de Larraín: ¿Cuál es nuestra relación con el pasado y cómo la cambiamos para cumplir con nuestras expectativas actuales? A medida que los hechos y la ficción se entremezclan con las teorías de conspiración del tablero de mensajes y las redes sociales reduccionistas que definen nuestra era de la información, las películas de Larraín no pudieron llegar en un momento mejor. 'Jackie' consolida su atractivo.

1. 'Luz de luna'

'Luz de la luna'

Cortesía de Color Collective y A24.

El seguimiento de Barry Jenkins a 'Medicina para la melancolía' es una tragedia profunda que se cuenta en miradas pasajeras. Rico en imágenes evocadoras e intercambios tiernos, el tratamiento del cineasta de la obra de teatro de Tarrell Alvin McCraney “; In Moonlight Black Boys Look Blue ”; Es un hermoso drama que logra ser épico y discreto.

“; Luz de luna ”; explora la difícil situación de un joven negro en tres épocas, buscando su lugar en el mundo mientras lucha con su identidad gay bajo las cargas de la clase y una familia rota. El poder de la historia proviene de las brechas entre las palabras y una batalla continua para encontrar las correctas. Es una pieza de humor sorprendente sobre la naturaleza de ser marginado en muchos niveles a la vez.

La historia del joven Chiron a medida que crece y pierde su oportunidad de encontrar una vida satisfactoria se vuelve más desesperada a medida que avanza, hasta que finalmente el niño se convierte en hombre e intenta una última oportunidad para arreglar las cosas. A pesar del tono sombrío, es un faro de esperanza para las perspectivas de hablar, y cierra el año personificando su estado de ánimo inestable. No importa cuán específico sea su entorno, el tono de 'Moonlight' refleja una mezcla de desesperación y anhelo que define nuestros tiempos de problemas.

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